Ces dernières années, des musées d’art contemporain sont apparus partout dans le monde occidental et au-delà. Le nombre de ce genre de musées augmente en permanence. Le touriste d’aujourd’hui, qui se rend dans une grande ville, s’attend à y trouver un musée d’art contemporain, de la même manière qu’il s’attend à y trouver un restaurant italien ou un cinéma. Dans la plupart des cas, ces attentes sont confirmées. Dans le pire des cas, le touriste va apprendre que (...) le musée d’art contemporain est encore en construction et qu’il sera ouvert l’année suivante. Quoi qu’il en soit, cette acceptation si facile de la notion de « musée d’art contemporain » par la culture d’aujourd’hui n’est pas sans importance. Traditionnellement, le musée d’art constituait un endroit dans lequel l’art du passé était collecté, conservé et montré au beau milieu de la vie contemporaine. Mais que signifie construire un musée d’art contemporain ? Que signifie « muséographier » la contemporanéité elle-même?Museums of contemporary art have appeared everywhere in the Western world and beyond in recent years, and they are constantly increasing in number. Any tourist visiting a major city today expects to find a museum of contemporary art, just as they expect to find an Italian restaurant or a cinema. In most cases, this is indeed what they find. At the very least, tourists will find that the city’s museum of contemporary art is still under construction and will open the following year. Whatever the case, the ready acceptance of the “museum of contemporary art” in today’s culture is significant. Traditionally, an art museum was a place where the art of the past could be collected, curated and displayed right in the heart of the contemporary world. But what does creating a museum of contemporary art really mean? In other words, what does it mean “to make a museum exhibit” of contemporaneity itself? (shrink)

In lieu of an abstract, here is a brief excerpt of the content:ImagesAntoni Muntadas (bio)The seven images in this issue are from Gestes, a book by Antoni Muntadas and published by Bookstorming (2003). The complete set of fifty-two portraits were collected from media images of various political figures during the Iraq War. Muntadas emphasizes the gestural movement of the hands, creating a strange and hypnotic choreography.Antoni Muntadas — born in Barcelona, Spain, in 1942 — has lived and worked in New (...) York since 1971.His work addresses social, political, and communications issues, the relationship between public and private space within social frameworks, and investigations of channels of information and the ways they may be used to censor central information or promulgate ideas. He works in various media: photography, video, publications, internet, and multi-media installations.He studied at the Escuela Tecnica Superior de Ingenieros Industriales in Barcelona and the Pratt Graphic Center in New York. He has taught and directed seminars at the University of California in San Diego, the École des Beaux Arts in Bordeaux and Grenoble, the CAVS at the Massachusetts Institute of Technology, the San Francisco Art Institute, the École Nationale des Beaux Arts in Paris, the University of São Paulo in Brazil, Cooper Union in New York, and many other institutions.Muntadas has received several prizes and grants including those of the Guggenheim Foundation, the Rockefeller foundation, the National Endowment for the Arts, the New York State Council on the Arts, Arts Electronica in Linz/Austria, Laser d'Or in Locarno, Switzerland, and the Premi Nacional d'Arts Plastiques de la Generalitat de Catalunya.He created works commissioned by the Centre Nacionale des Arts Plastiques in Paris, the Fonds d'Arts Publiques in Marseille, the Public Art Fund in New York, and has been resident artist and consulting advisor in several research and education centers, including the Visual Studies Workshop in Rochester, the Banff Center in Canada, Arteleku in San Sebastian, Spain, and the University of Western Sydney in Australia.His works have been exhibited throughout the world, including the Venice Biennale, Documenta Vl and X in Kassel, the São Paulo Biennal, la Biennale de Lyon et La Havana and The Museum of Modern Art in New York, the Berkeley Art Museum in California, the Wexner Arts Center in Columbus, Ohio, le Musée d'Art Contemporain de Montreal, le CAPC de Bordeaux, France, the Museu de Arte Moderna de Rio de Janeiro in Brazil, the Ludwig Museum in Budapest, Hungary, and the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia in Madrid, Spain. Click for larger view View full resolutionFigure 1.(Cover) Click for larger view View full resolutionFigure 2.(Page 2) Click for larger view View full resolutionFigure 3.(Page 10) Click for larger view View full resolutionFigure 4.(Page 31) Click for larger view View full resolutionFigure 5.(Page 52) Click for larger view View full resolutionFigure 6.(Page 74) Click for larger view View full resolutionFigure 7.(Page 95)Antoni Muntadas Antoni Muntadas —born in Barcelona, Spain, in 1942 —has lived and worked in New York since 1971.Copyright © 2003 The Johns Hopkins University Press... (shrink)

Cet article explore l’utilisation que font certains musées des avancées technologiques et communicationnelles les plus actuelles. En prenant appui sur des théories et des exemples tirés principalement du contexte nord-américain, il s’agit d’examiner la présentation d’une œuvre d’art contemporain, No Woman, No Cry, de Chris Ofili, sélectionnée par la Tate Britain dans le Google Art Project. L’étude de ce cas récent montre comment l’institution muséale reconduit, sur le Web, les principes de pratiques qu’elle applique, depuis longtemps, dans les salles (...) d’exposition et dans les messages adressés au public.This article explores the use made in certain museums of the very latest advances in communication and technology. Drawing on primarily North-American theories and examples, we examine the presentation of a particular work of contemporary art, Chris Ofili’s No Woman, No Cry, selected by Tate Britain from the Google Art Project. Our study of this recent case shows how museums apply the same principles of practice on the web as those they have applied for years in their exhibitions and their messages to the public. (shrink)

Dans la période actuelle où prolifère la création artistique, mais aussi, où s’accélèrent les mutations et où tout devient consommation ; dans cette immense casse qu’est la postmodernité, les musées sélectionnent les éléments matériels ou immatériels jugés suffisamment significatifs pour mériter d’être conservés et transmis aux générations futures, comme le témoignage de la culture d’une époque. Nous défendons que dans le domaine de l’art contemporain, les musées jouent un rôle essentiel, sublime, qui confère à l’œuvre une aura extraordinaire. Dès (...) lors, la problématique essentielle est d’ordre épistémologique. Par-delà le débat enflammé auquel se livrent les défenseurs ou les détracteurs de l’art contemporain officiel, deux questions essentielles demeurent, celle des processus par lesquels l’institution muséale construit la vérité esthétique, et celle des processus par lesquels les artistes accèdent à l’espace sacralisant du musée.In our time of proliferating artistic creation, but also of accelerating change and an all-pervading consumer culture, museums are trawling though the vast, sprawling breaker’s yard of post-modernism to select the material or immaterial items they consider significant enough to be preserved for future generations as reflections of the culture of our time. We argue that in the field of contemporary art, museums have an essential role that adds an aura of the sublime to works of art. The essential question then becomes epistemological. Over and above the impassioned debates between those for and those against what is officially labelled as contemporary art, two essential questions remain: what are the processes through which the museum as an institution constructs aesthetic truth, and what are the processes whereby artists attain the sacrament of a museum exhibition? (shrink)

Découvrir la noblesse de l'odorat et apprendre à être un philosophe nez : tel est le but de ce livre, qui fait d'un sens négligé un objet de réflexion à part entière. L'entreprise de réhabilitation de la sensibilité olfactive passe par la remise en cause des préjugés sur l'odorat comme sa prétendue faiblesse, son caractère primitif, incommode ou immoral et par l'examen de la manière dont l'esprit nous vient aussi du nez. La démarche se fonde sur la découverte anthropologique du (...) rôle décisif des odeurs dans la constitution de la mémoire et de l'affectivité ainsi que dans la construction de l'identité et de l'altérité. Cette entreprise vise la promotion d'un véritable art olfactif qui dépasse le simple usage cosmétique des parfums et substitue " le sentir beau " au " sentir bon ". L'élaboration d'une esthétique olfactive repose en effet sur la recherche des expressions artistiques de l'odeur, aussi bien dans la littérature chez des auteurs comme Huysmans, Balzac et Proust, que dans la musique de Debussy, la peinture de Gauguin ou la sculpture de Rodin. Elle s'appuie également sur les tentatives historiques de création pure de parfums à travers la voie ancienne des fragrances au lapon ou les performances et les installations dans l'art contemporain. Exprimant l'idée dans l'odeur, cette esthétique olfactive sous-tend depuis longtemps la spéculation philosophique en offrant des modèles de pensée et d'appréhension subtile d'un réel invisible et volatil. Après Héraclite et Empédocle, Lucrèce, Condillac et Nietzsche incarnent cette figure du sagace qui flaire le parfum de la vérité ou du mensonge : preuve s'il en est que philosopher, c'est avoir du nez. (shrink)

Sur quels critères Malraux a-t-il bâti ses associations d'oeuvre de cultures différentes dans son "Musée imaginaire"? Une question d'actualité à l'heure où les musées mêlent oeuvres occidentales et arts primitifs ou arts contemporains et arts anciens dans une même présentation. Georges Didi-Huberman, philosophe et historien de l'art, enseigne actuellement à l'École des hautes études en sciences sociales de Paris. 0Avec plus d'une trentaine de livres publiés depuis 1982, il est aujourd'hui l'un des théoriciens les plus actifs dans le paysage (...) class='Hi'>contemporain des recherches sur l'image. Les conférences de la Chaire du Louvre et le livre qui les accompagne concernent le Musée imaginaire d'André Malraux. Il s'agira d'interroger le travail d'André Malraux sur les illustrations de son Musée imaginaire, travail explicitement inspiré par le Benjamin de la "reproductibilité technique" et de "l'auteur comme producteur. (shrink)

L’histoire du Kronprinzenpalais, dans sa lente émergence vers la reconnaissance de son existence, ainsi que du rôle majeur qu’il joua sur la scène muséale allemande, en tant que premier musée d’art moderne, demeure étroitement lié au sort de son unique conservateur, Ludwig Justi. Cet article s’attache à restituer les innovations didactiques et muséographiques menées par Justi, les très nombreuses expositions temporaires aussi bien que l’enrichissement des collections, de même que la fondation de la revue Museum der Gegenwart, lesquels eurent (...) un rayonnement sur l’ensemble des musées d’art allemands. (shrink)

En octobre 1995 prenait place au Musée d’Art Contemporain de Bordeaux le grand colloque « Actualité cognitive de la Phénoménologie : Les défis de la naturalisation ». La phénoménologie de tradition husserlienne y rencontrait les toutes jeunes sciences de la cognition en une confrontation exemplaire, où se croisaient les lignes directrices de ce qui allait constituer un nouveau domaine de recherche, à l’interface entre phénoménologie et sciences de la nature, un domaine dont l’émergence devait...

Comment rencontrer l'art, aujourd'hui, dans notre monde en mutation et dont le sens échappe à la raison? La pensée logique traditionnelle devient insuffisante. Le goût, le style, l'invention, la créativité... restent des notions vaines, inadéquates. Une autre pensée se cherche à travers l'expérience de l'artiste créateur. Il s'agit d'une migration dans un ailleurs irrationnel qui remet en cause la notion "d'Art contemporain", ce dont témoigne abondamment l'exposition Van Gogh/Artaud, au musée d'Orsay, en 2014.

Cette étude présente une explication systématique des éléments clés de la théorie de l’art d’André Malraux. Se basant sur des œuvres telles que Les Voix du silence, Le Surnaturel, L’Irréel et L’Intemporel, elle aborde des sujets cruciaux comme la nature de la création artistique, la psychologie de notre réaction à l’art, la naissance de la notion d’« art » et sa transformation après Manet, la naissance et la mort de l’idée de beauté, la question cruellement négligée de la relation entre (...) l’art et le passage du temps, l’émergence de notre « premier monde de l’art universel », le rôle contemporain du musée d’art et du Musée Imaginaire, et la question épineuse du lien entre l’art et l’histoire. Contrairement aux critiques négatives parfois émises contre la pensée de Malraux, l’étude soutient qu’il nous offre une théorie de l’art mûrement réfléchie, entièrement cohérente et très éclairante. De surcroît, et malgré des allégations occasionnelles que la pensée de Malraux manque d’originalité, l’analyse montre que sa théorie de l’art est hautement originale et constitue un défi radical aux explications traditionnelles de l’art issues des Lumières qui ont dominé la pensée occidentale pendant quelque trois cents ans. En bref, l’étude dévoile une façon de comprendre la nature de l’art qui n’est rien de moins qu’une révolution intellectuelle. Le livre va être publie également en anglais. (shrink)

Tout a commencé comme une enquête classique, avec l'espoir de déterminer ce que le nom " contemporain " dit de notre rapport au temps, à l'histoire, à l'espace. Mais très vite des myriades de données, parfois contradictoires, se sont imposées. Un véritable brouhaha. On aurait pu les ignorer, faire comme si elles n'existaient pas, et tenter de construire une fiction unitaire qui aurait prétendu dire la totalité de notre identité historique. C'eut été se méprendre sur la dynamique profonde que (...) traduit le nom contemporain. Elle se déploie ainsi : la représentation moderne du monde est débordée de toutes parts par une multiplicité qu'elle ne peut plus contenir, et qui la fait apparaître pour ce qu'elle est : un imaginaire, une illusion ; imaginaire de la distinction, de la séparation, alors que le contemporain propose, lui, un imaginaire marqué par l'indistinction, la déhiérarchisation, la globalisation. Toutes les histoires documentées dans cet essai retrouvent ce mouvement. Ainsi des espaces publics de l'art qui voient la fin du dispositifinstitution musée d'art moderne au profit des centres d'art contemporain et évoquent par là une manière différente d'habiter le monde. Ainsi du très grand nombre qui ne se laisse plus discipliner dans les concepts politiques hérités de la modernité. D'autres émergent (multitude, publics), prenant mieux en compte la double poussée de la massification et de la différenciation. Ainsi de la production du savoir qui se décentre et s'horizontalise. Ainsi du temps vécu comme une concordance de temporalités à l'ère hypermédiatique. Ainsi de l'imaginaire littéraire, emblématique de la modernité et lié au support-livre, qui intègre un plus vaste régime de publication. Ainsi de la pensée du monde qui est désormais une pensée des mondes. En six stations qui sont autant de mots-clés du contemporain (exposition, médias, controverses, publication, institutionnalisation, archéologie), cet essai s'attache à décrire les transformations actuelles des formes culturelles et des visions de l'histoire. (shrink)

Les musées contemporains sont en pleine mutation, ils passent du statut de « temples de l’art et de la culture » à celui de pourvoyeurs d’activités culturelles et ludiques. Censés instruire, ils s’engagent dans la voie controversée de plaire en vue d’exister, le but ultime étant de drainer le plus de « clients » possible pour assurer la continuation. Et dans la mouvance, ils n’hésitent pas à s’exporter au même titre que les enseignes commerciales vers des cités-nations à la recherche (...) d’une « présence » sur la mappemonde globalisée. Le Louvre-Abou Dabi est un exemple saillant de cette tendance mondialisée, tout comme Guggenheim, il devient un jalon mobile de l’art et de la culture. Dans cette phénoménologie de « l’existence par l’architecture », les œuvres architecturales deviennent des objets-outils de notoriété et de communication, plus inhérents au marketing qu’à la culture. Mais quelle part d’intérêt va pour les collections dans ce nouveau statut du musée ou le bâtiment est à lui seul un gage d’existence et de contemporanéité ? Et dans quelle mesure, la part de responsabilité publique qui incombe aux musées dans le développement culturel de la collectivité, risque-t-elle d’être compromise par les lois du marché?Contemporary museums are rapidly evolving from “temples of art and culture” to providers of cultural and recreational activities. Although supposed to be instructive, they are embarking on a controversial policy of pleasing the public in order to exist, the ultimate aim being to draw as many “customers” as possible to secure their future. And in pursuing these aims, they have been exporting themselves, just like any commercial brand, to nation-cities seeking a “place” on the globalised map. The Abu Dhabi Louvre is a striking example of this global trend, as is the Guggenheim, which has now become a movable landmark in the arts and culture landscape. This phenomenon of “existence through architecture” is turning architectural works into objects as well as tools to enhance communication and notoriety, a development that has more to do with marketing than with culture. But given this new status, where the building itself guarantees the museum’s existence and contemporaneity, how much interest is there in its collections? And to what extent is every museum’s share of public responsibility for collective cultural development likely to compromised by “market forces”? (shrink)

Odile Foucaud analyse la présence des femmes artistes sur la scène new-yorkaise depuis la fin des années 1960. Quelle place occupent-elles dans les circuits institutionnels et commerciaux, dans les expositions et les musées? Quel fut leur rôle dans le renouvellement de la création plastique? L’auteur, qui enseigne l’histoire de l’art contemporain, a recueilli le témoignage d’artistes de toutes nationalités qui ont une visibilité institutionnelle, en comparant les générations. Ainsi, Martha...

L’article envisage d’abord les conditions et conséquences d’une ressaisie proprement philosophique du concept sociologique d’artification. Trois propositions en découlent. 1˚) Contrairement à l’approche sociologique de l’artification, cette ressaisie relève d’une problématique de la légitimation (mais on parle alors de légitimation spécifiquement théorique et non pas idéologique). 2˚) La question de l’artification suppose une définition spéculative de l’art, laquelle possède nécessairement une vertu normative. 3˚) Seules des pratiques peuvent subir un processus d’artification, et non des objets (à moins de les considérer (...) en tant que fonctions d’une pratique). On passe ensuite à la question de la « transposabilité » historique et culturelle du concept d’artification. Dans une optique sociologique, ce sont les pratiques contemporaines voire actuelles qui, pour l’essentiel, retiennent l’attention. Mais la présence même d’objets anciens et non-occidentaux dans nos musées d’art invite à réfléchir à la manière dont ils sont ou peuvent être qualifiés d’artistiques (ou requalifiés comme tels) ; il s’agit aussi de se pencher sur les processus apparentés à l’artification dans les cultures étrangères à la modernité occidentale. (shrink)

Paris, Palais de Tokyo, dimanche 7 juillet 2002. Lieu d’exposition, récemment inauguré, entre musée et squat, où l’on peut voir les œuvres d’artistes contemporains. Qu’y voit-on? Quelques exemples. Un grand rideau de velours noir. Derrière ce rideau, une grande pièce sombre. Il est indiqué, à l’entrée : « Merci de bien vouloir vous déchausser avant d’entrer »,..

L'esthétique est le plus souvent confondue avec l'histoire de l'esthétique, ou avec l'histoire des idées de l'esthétique. Aussi sa présentation habituelle se fait-elle presque toujours à partir des arts traditionnels déjà embaumés par le musée. Ce livre s'est soucié prioritairement de rappeler que l'art, au XXe siècle, a connu des sensations neuves, dont le mouvement dans les images, mais aussi que la frontière des arts n'a cessé de se déplacer. On a donc cherché à faire ressortir, à partir d'exemples (...) contemporains et historiques, le noyau conceptuel de l'esthétique qui, parce qu'il a réellement consisté en une invention philosophique, se conserve à l'instar des œuvres d'art et garde aujourd'hui, pour la même raison fondamentale, sa portée et sa pertinence. (shrink)

L'esthétique est le plus souvent confondue avec l'histoire de l'esthétique, ou avec l'histoire des idées de l'esthétique. Aussi sa présentation habituelle se fait-elle presque toujours à partir des arts traditionnels déjà embaumés par le musée. Ce livre s'est soucié prioritairement de rappeler que l'art, au XXe siècle, a connu des sensations neuves, dont le mouvement dans les images, mais aussi que la frontière des arts n'a cessé de se déplacer. On a donc cherché à faire ressortir, à partir d'exemples (...) contemporains et historiques, le noyau conceptuel de l'esthétique qui, parce qu'il a réellement consisté en une invention philosophique, se conserve à l'instar des œuvres d'art et garde aujourd'hui, pour la même raison fondamentale, sa portée et sa pertinence. (shrink)

L’un des principaux arguments évoqués contre l’art contemporain au début des années 1990 en France (lors du débat autour de ce qui fut appelé la « crise de l’art contemporain ») consista en l’affirmation que puisqu’aujourd’hui n’importe quoi peut être de l’art, alors l’art d’aujourd’hui c’est n’importe quoi. Ce texte entend montrer que ce raisonnement en deux parties relève d’une confusion qui, une fois clarifiée, permettra de cerner la spécificité de l’art contemporain et des jugements qui peuvent (...) être émis à son égard. (shrink)

Les quatre textes qui suivent tentent d'analyser dans la littérature québécoise et française récente les manifestations d'une société en mutation, désireuse ou non de rompre avec les stéréotypes de sexes, de revisiter et réconcilier féminin et masculin. Les écrivaines, avec quelques belles longueurs d'avance, continuent de vouloir à la fois le corps et l'esprit, la vie et la fiction, de jongler avec l'altérité et les identités plurielles et de travailler des textes ûctionnels, théoriques et incamés, qui prennent en compte le (...) réel Leur travail de réflexion et de création ne cesse, en fait, d'interroger les artifices de l'art, les mensonges de la petite et de la grande histoire, et de prouver qu'on ne peut impunément dissocier éthique et esthétique ! Le thème de l'autobiographie foetale qui hante la littérature masculine récente est très représentatif de la masculinité en crise; il cristallise ses angoisses, ses résistances ou sa nouvelle quête émotive, affective et corporelle.The following four-part paper try to analyse in recent quebecer and french littérature the manifestations of a changing society, wether it be willing or not to break with gender stereotypes and reconcile the masculine/feminine dichotomy. Female writers still show leadership in wanting both body and mind, life and fiction; in thinking ofalterity and multiple identities; and in working at fictionnal, theoretical and incarnate texts wich take reality into considerations. Their reflexion and creation in effect never stops questionning the artistic device, the lies of both small and big history to prove that we cannot inconsiderately dissociate Ethics from Esthetics ! The foetal autobiography team now haunting recent male littérature is very representative of the masculinity crisis; it cristallizes his anguish resistances or his new emotive, affective and corporeal quest. (shrink)

Pendant l’été 2012, les artistes Ellen Rothenberg et Délia Popa participèrent à un projet d’échange culturel avec une famille rom vivant dans une petite communauté agraire du comté de Sibiu, vieille région de Transylvanie. Le deuxième volet de ce projet comprenait une exposition des œuvres inspirées par cette expérience, dans les Galeries d’Art Contemporain du Musée National de Brukenthal, à l’automne 2013. Intitulée « Chelen Amenca (Danse avec nous) », cette exposition fut organisée par la c...

François Dagognet (1924-2015) nous a laissé une oeuvre immense et foisonnante : près de soixante-dix ouvrages, sur les thèmes les plus divers, de l'épistémologie à l'art contemporain, de la politique au droit, de l'argent à la morale, de la peau au trouble, sans oublier le paysage, ou l'agronomie, les déchets ou les musées, parmi bien d'autres sujets. Sa curiosité universelle et inassouvie égalait, voire dépassait, celle de son maître Bachelard. Montrer comment Dagognet a illustré l'épistémologie "à la française", et (...) l'a radicalement transformée en la faisant sortir de ses cadres traditionnels, tel est l'enjeu de ce recueil, issu d'un colloque en hommage à François Dagognet qui s'est tenu à l'Institut d'histoire et philosophie des sciences et des techniques de Paris 1, qu'il a un temps dirigé. Vingt-quatre auteurs, français et étrangers, de diverses générations et spécialités, font découvrir et discutent les positions de ce philosophe infatigable sur un large éventail de champs scientifiques et techniques : philosophie des sciences, biologie, médecine, neurologie, pharmacie, sciences de la terre, chimie, écologie, théorie des formes, informatique, art, droit et philosophie sociale."--Page 4 of cover. (shrink)

Un essai récent de Rochlitz s'inscrit dans le débat actuel sur l'art contemporain en s'efforçant légitimement de rétablir le spectateur dans son droit au jugement. Ce faisant, il propose des critères de reconnaissance et d'appréciation de l'oeuvre qui prétendent, entre autres, échapper aux limites de l'esthétique kantienne qualifiée de subjectiviste. En évoquant des tentatives, analytique et phénoménologique , de traiter de l'oeuvre contemporaine, et en les confrontant aux critères avancés par Rochlitz, on cherche à mettre en évidence les échos (...) kantiens communs à toutes ces approches pour appeler à éviter les interprétations trop étroites de la troisième Critique, et montrer qu'elle nourrit le questionnement sur l'art d'aujourd'hui et peut encore ouvrir des pistes fructueuses à cet égard.A recent essay by Rochlitz contributes to the current debate about contemporary art by justifiably trying to restore the spectators in their right to judge. By so doing, he proposes, for acknowledging and appraising the works of art, standards which claim more particularly to avoid the limits of Kant's aesthetics, supposedly subjectivistic. By refering to analytic and phenomenological approaches to contemporary artworks, and by confronting these approaches to the criteria proposed by Rochlitz, the present paper is an attempt to bring to light the echoes of Kant throughout all those approaches, in order to avoid a too restrictive interpretation of the third Critique, and in order to demonstrate that the current interrogation about art still lives upon Kant, who keeps opening fruitful ways of research. (shrink)

Tout est parti d'une demande d'Olivier Kaeppelin, directeur de la Fondation Maeght, chargeant Bernard-Henri Levy de penser la grande exposition de l'été 2013, à la Fondation. Un thème : les rapports de la peinture et de la philosophie. Un principe : traiter à égalité, et faire dialoguer autour de cette thématique, les maîtres de l'art ancien, moderne et contemporain. Un fil directeur : une sorte de "grand récit", découpé en six stations, où l'on voit la philosophie censurer, ou réhabiliter, (...) ou effacer à nouveau, ou au contraire relayer et même remplacer, le travail des peintres. Une aventure : Bernard-Henri Levy a, pour raconter cette histoire, couru les collections privées, les musées de France et d'ailleurs, débusquant ainsi des chefs-d'oeuvre, souvent peu connus et peu vus, qui seront, du 29 juin prochain au 12 novembre, exposés sur les murs de la Fondation Maeght. Le livre enfin, né de cette aventure, est découpé en trois parties. Une longue "Lettre à Olivier Kaeppelin" (80 pages) posant les bases de l'exposition, ses principes théoriques et ceux de l'Esthetique de BHL. Un Journal, tenu de l'été 2011 au printemps 2013, et racontant, jour après jour, le "making of" de cette exposition hors-norme : problèmes esthétiques et techniques, portraits d'artistes ou de collectionneurs, moments d'éblouissement et de déception - tout y est. Et puis, enfin, les images des 120 oeuvres choisies et accompagnées, chaque fois, d'une "notice" à la fois littéraire et scientifique - c'est la troisième partie du livre. Ce livre n'est pas un "catalogue" (même s'il répertorie savamment les oeuvres retenues). Ce n'est pas un "beau livre" (même s'il est richement illustré). C'est un vrai livre, foisonnant, vivant, littéraire de bout en bout, bourré d'anecdotes et de croquis - où l'on retrouve l'encre du BHL philosophe mais aussi romancier et parfois même cinéaste! Bernard-Henri Lévy a, depuis 30 ans, publié plusieurs monographies sur l'art ancien (Piero della Francesca), moderne (Mondrian) ou contemporain (Frank Stella). Ce nouveau livre vient prolonger et, en quelque sorte, couronner cette part moins connue et, jusqu'ici, délibérément discrète de son oeuvre. (shrink)

Les réflexions de Heidegger autour de ce qu’est une œuvre d’art, articulée notamment autour de Van Gogh, peuvent-elles servir de matériau de compréhension pour l’art contemporain? La question heideggérienne du ce qu’est-ce qui fait l’être-œuvre de l’œuvre d’art? est centrale chez bon nombre d’artistes comme Duchamp, Kosuth ou Warhol et les éléments de réponse qu’ils apportent entrent dans les catégories ouvertes par Heidegger. Il en est de même pour cette singularité artistique du contemporain qu’est l’art d’installation.

Un livre pour défaire le régime esthétique de l'image, en vue d'une nouvelle pensée diagrammatique, après Deleuze et Guattari, entre art et philosophie : un ouvrage introductif et spéculatif sans équivalent qui, partant de la rupture opérée par Matisse et Duchamp avec la phénoménologie picturale de l'image esthétique, constitue une archéologie de l'art contemporain qui passe par Daniel Buren, Gordon Matta-Clark, Günter Brus et le néoconcrétisme brésilien.

English summary: The authors invited eighteen artists and theorists to reflect on what is meant by contemporary photography and contemporary art. Historical issues or paradigmatic problems? The articulation of these eighteen points of view, sometimes radically different, can have a fruitful view on issues, concepts, assumptions, and current issues on the subject. French text. French description: Francois Soulages et Marc Tamisier ont invite dix-huit artistes et theoriciens a reflechir sur ce qu'ils entendent par photographie contemporaine et par art contemporain. (...) Questions historiques ou bien problemes paradigmatiques? L'articulation de ces dix-huit points de vue, parfois radicalement differents, permet d'avoir un panorama fecond sur les problematiques, concepts, presupposes et enjeux actuels sur le sujet. L'enjeu premier serait-il l'" art-contemporain " qui ne se reduirait pas alors a l'art qui serait contemporain. Que serait, alors, la " photographie-contemporaine " a l'ere du numerique? L'enjeu ultime est bien le/notre contemporain! (shrink)

Dans la deuxième moitié des années 1980 s’est développée, dans l’ensemble du champ de la culture, une véritable esthétique de la bêtise. Quelques jeunes critiques d’art se sont alors emparés du phénomène et ont tenté de le théoriser, entre 1994 et 1998, dans les revues les plus lues de l’époque : Flash Art International, Artpress, Frieze. L’étude de ce corpus d’articles (signés par Joshua Decter, Éric Troncy, Jon Savage, Andrew Hulktrans et Jean-Yves Jouannais) témoigne à la fois des mutations de (...) la critique d’art de l’époque et de l’enjeu que représente alors l’art délibérément bête. On remarquera que la critique d’art se fait alors critique culturelle : elle regarde peu les œuvres, réduites au statut d’illustrations et d’arguments visuels. On s’interrogera également sur la place que les revues d’art contemporain ont accordée à la culture populaire médiatique la plus régressive du temps. Beavis & Butt-Head, Melrose Place ou encore Alerte à Malibu ont été ainsi disséqués dans les colonnes d’ Artforum ou de Flash Art. Alors que les œuvres d’art estampillées « art contemporain » donnaient lieu à des analyses étonnamment sommaires, ce sont les séries télévisées et les dessins animés qui ont conduit aux analyses les plus stimulantes. Elles l’ont fait en recourant au paradigme de la méta-criticalité cher au modernisme, conférant aux œuvres les plus régressives le statut d’image spéculaire, à la fois duplice et critique, de la culture de la bêtise qui les générait. Pointe alors le paradoxe suivant : alternant entre l’enthousiasme forcené et la déploration, la critique d’art des années 1990 a intellectualisé l’anti-intellectualisme le plus radical. (shrink)

En hommage à la longévité universitaire du sociologue et philosophe Jacques Leenhardt - professeur à l'École des hautes études en sciences sociales depuis 1966, fondateur des Archives de la critique d'art, créateur et directeur du Centre d'art contemporain de Crestet -, cet ouvrage réunit des contributions de sociologues, philosophes, artistes et écrivains qui retracent plusieurs débats marquants liés aux sciences humaines, à la littérature et aux arts, en France et aux Amériques à partir des années 1970. Le (...) riche parcours du chercheur français, né à Genève, se dessine à travers autant de rencontres intellectuelles et de sensibilités artistiques en partage--Page 4 of cover. (shrink)

La lecture de Fourier que nous voudrions privilégier trouve sa légitimité dans un questionnement contemporain sur l'économie, sa nature et sa place. Nous voudrions montrer que Fourier a l'audace de remettre en question les présupposés de l'économie de son siècle. Il pressent, dès les linéaments du développement du capitalisme industriel et marchand, les aberrations et excès de celui-ci : embryon d'une économie en démesure, menacée par des dérèglements et crises récurrentes. Nous avons pris l'...

La lecture de Fourier que nous voudrions privilégier trouve sa légitimité dans un questionnement contemporain sur l'économie, sa nature et sa place. Nous voudrions montrer que Fourier a l'audace de remettre en question les présupposés de l'économie de son siècle. Il pressent, dès les linéaments du développement du capitalisme industriel et marchand, les aberrations et excès de celui-ci : embryon d'une économie en démesure, menacée par des dérèglements et crises récurrentes. Nous avons pris l'...

Résumé Une enquête menée aux États-Unis en 1996 sur les rejets de l’art contemporain a permis une comparaison systématique entre les deux cultures, française et américaine, en matière de valeurs associées à l’art. Nous publions ici, à partir du livre qui en a été tiré ( Guerre culturelle et Art contemporain : une comparaison franco-américaine ), le chapitre consacré spécifiquement aux valeurs éthiques, touchant à l’idéologie, à la sexualité, à la religion et à la cruauté envers les animaux. (...) L’on y constate que même s’il existe de sensibles différences interculturelles (Occident vs Orient, Europe vs États-Unis), les conflits de valeurs suscités par l’art contemporain sont avant tout des phénomènes intraculturels. (shrink)

Vincent du Bois est sculpteur sur pierre. Il a appris à tailler le marbre au pied des carrières de Carrare. Mais sa passion pour Michel-Ange ne l'empêche pas de se définir comme un artiste contemporain. De nos jours, le corps à corps avec la matière n'est plus une étape indispensable pour que l'oeuvre prenne forme. Le sculpteur peut programmer une machine pour se charger de ce travail. En tant qu'artiste, mais aussi en tant que penseur et citoyen, Vincent du (...) Bois interroge cette virtualisation de notre société qui contourne le rapport direct avec la matière et le sens du touché en donnant les pleins pouvoirs à la vue.0Il nous montre comment la révolution numérique, phénomène unique par son ampleur dans l'histoire humaine, signe le triomphe de l'abstraction sur la sensation. Vincent du Bois écrit en sculpteur. Il creuse l'essence des choses comme on taille un bloc, procédant par épanelages successifs jusqu'à ce que se révèle la forme sous-jacente. Elle prend ici les traits d'une question : quel pourra être le rôle du corps dans une société vouée aux écrans? (shrink)